THE 90's: BJÖRK - All Is Full Of Love (1999)

Björk, es odiada y venerada a partes iguales, pero nunca indiferente. Dejando de lado al personaje y centrándonos en la música de la artista, innegablemente estamos ante un auténtico genio. Música electrónica, pero siempre experimental, tomamos el que fuese en 1999, último single del álbum Homogenic (1997), pero con una versión diferente a la que aparece en el disco.

Sin lugar a duda alguna, el vídeo de aquel verano del 99 sería uno de los grandes recuerdos de la decada. Un vídeo muy llamativo, inundado de tecnolgía y de amor, suceso extraño y llamativo en ese mundo robótico. Muy comentado, nominado y premiado, el vídeo es merecedor de una visita al menos.

La canción se mueve con unos tonos muy suaves, con una base llena de sonidos orientales y de apariciones de elementos de cuerda. Björk nos acaracia con una voz muy cálida y nos canta a la ceguera que tenemos ante el amor que nos rodea. El corte transcurre lento y solo parece desperezarse cuando al final de lo cantado, nuestra artista islandesa suelta su voz con el insistente mensaje de que todo a nuestro alrededor está lleno de amor. Se trata de un claro ejemplo de lo que me gusta considerar una balada moderna, una balada electrónica. Bellísima y muy melancólica.

DANCE FLOOR

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Hola a todos, gracias por leer esto, si lo estáis haciendo supongo que en parte es porque os habrá gustado esta sesión y me alegro. Hace aproximadamente unos tres meses que empecé con esto de mezclar música y esta es la cuarta que hago, por lo que todavía estoy empezando y aprendiendo mucho. Aparte de algún fallo puntual en alguna mezcla, pienso que está decente en general. Bueno, pues hablando ya de la música en sí, es una sesión que he intentado hacer para gente que no suele escuchar normalmente este tipo de música, por lo que hay temas bastante light, conocidos y algo comerciales, cosa que no me gusta hacer salvo en este caso concreto para llegar a más gente y no habituales. Dentro de estos encontramos temas como el conocidísimo ‘Coraçao’, ‘Touch Me’ de Rui da Silva, ‘Right On!’ de Silicon Soul y el primer tema, la versión house de ‘At Night’ de Shakedown. Aún así he intentado mezclar esos temas con algunos más serios de productores más reconocidos. Dentro de estos encontramos temas de gente como Dj Chus, uno de los más importantes djs y productores nacionales, Sebastian Gamboa, residente de Pachá Ibiza y productor, David Penn y temas incluidos en sets de Roger Sánchez y Erik Morillo, dos de los mayores gurús del house actual.

Todos sabemos que la música de baile sigue un ritmo, bien, la música electrónica es en general música de baile y está basada en ritmos y compases repetitivos que hacen que el dj pueda mezclar unos temas con otros sin que pare la música ni se pare el ritmo. Está terminando una canción, durante unos segundos se oyen sonidos nuevos y cuando quieres darte cuenta la canción ha cambiado y estás bailando la nueva… La melodía, en el caso de que la haya, siempre es algo secundario y está escondida entre samples y sonidos. La música house en concreto se caracteriza por tener ritmos alegres, suaves y muy bailables, además de incluir potentes voces y mucha letra. Es el estilo más light dentro de la música electrónica de calidad sin caer en cosas como el dance, fuera totalmente de la escena musical donde se mueven las producciones y eventos más importantes.

Esta sesión la veo un buen ejemplo de todo esto, empieza con un tema con un sonido muy clubber que engancha, seguido de un par de temas con un ritmo de timbales y percusión que invitan a bailar y hacen que arranque del todo la sesión. Estos desembocan en el cuarto tema, puro house ibicenco con sonidos muy veraniegos y alegres. Toda sesión debe tener sus puntos álgidos y sus bajadas, en este punto llegamos a una parte más tranquila con sonidos que hacen que nos relajemos un poco y que descansemos, y nos introduce en los temas centrales de la sesión que mantienen esa sensación de profundidad con voces más suaves también.

A partir del tema ‘Coraçao’ vuelve a haber una subida de intensidad con temas como la versión instrumental del ‘Right On!’, que se mantendrá hasta casi el final donde entrarán los dos últimos, mucho más lentos y con sonidos muy tirando al chill out, que servirán para cerrar la sesión de una forma mucho más elegante y sutil.

Bueno, es todo, con esto espero haber sabido explicar lo que he intentado hacer con este set y también que se haya aprendido algo sobre este género musical tan incomprendido muchas veces en general y este mundo de beats por minuto y samples.

Un saludo.

HOUSE SESSION by Javi [13/05/09]

DESCARGA SESIÓN AQUÍ:
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Antes de comentar nada, agradecer a Javi este regalo que nos hace. Aficionado de la música en general y de la electrónica en particular, me ha ayudado a adentrarme un poco en el mundo de las pistas, los platos, los ritmos, los tempos… Hoy tenéis a vuestra disposición en descarga directa en el link superior, la sesión house que hizo el pasado 13 de mayo.

Jamás pensé que esta música de diseño, necesitase de tanto esfuerzo por parte del Dj. Ha sido alucinante seguir el proceso de elaboración de una sesión. El Dj. debe manejar una gran cantidad de variables, ante las cuales, el más mínimo fallo, origina el temido error.

El primer paso es uno de los más delicados. Una sesión puede estar compuesta por 10-15 cortes, pero en la cabeza de Javi existen miles de canciones. Para seleccionarlos, se necesita gran tino, una gran capacidad de diferenciación. Tras decidir los cortes, seleccionar el orden de aparición, para ello, dibuja un primer boceto de lo quiere en su mente. Los temas seleccionados hay que remasterizarlos para que todo se presente homogéneamente. Una vez que estos pasos se dieron, nos ponemos manos a los platos. Es el momento de definir, de buscar el ritmo, las subidas y bajadas de los sonidos, la entrada de los cortes… cualquier fallo puede arruinar mucho tiempo de preparación, haciendo que tengamos que volver a empezar.

El house presenta ritmos 4x4 y se trata de un estilo de los más suaves de la música electrónica. Quizás muy trillado, es un tipo de música que ya no llena tanto a los expertos.

En cuanto a la propia sesión, ésta empieza muy fuerte. Sin duda es una forma de engancharnos desde el inicio, aunque particularmente, con el corte que se empieza a disfrutar desde el minuto 7 es cuando empiezo a pensar que lo que escucho me gusta.

Era la primera vez que me pedían que me fijara en una sesión, quiero decir, no limitarme a oír, que apreciase los sonidos. Ciertamente es gratificante ver como se cumple que cada 4x4 un sonido desaparece y se añade otro. La métrica es sagrada a la hora de pinchar.
En el minuto 22 y 28 también se me empezó a ir el cuerpo. Las voces que aparecen en el 22 y las trompetas del 28 invitan al baile.

Ahora vienen lo minutos que más me gustan. En el minuto 32, me imagino una sala a oscuras con esa base de fondo y ciertamente tienen que ser alucinante. La voz masculina queda fenomenal. El tema varía un poco sobre el minuto 37, pero mis sensaciones siguen siendo las mismas. Sensaciones que se elevan a partir del minuto 39, donde la voz masculina pasa a femenina. Los sonidos que se adivinan nuevos suenan espectaculares en este nuevo corte. En este punto pregunté de quién era esta música que me gustaba tanto, y la respuesta fue, sesión de Roger Sánchez. A este señor lo conozco incluso yo.

También me resultó muy familiar el corte que nos llega sobre el minuto 55. Bastante familiar y con unos cantos en brasileños muy sugerentes.

Sobre la hora de sesión vienen los temas más oscuros, menos comerciales quizás. Ya en el minuto 70, me sentí entender del tema, puesto que esta canción no era para nada nueva para mi. Se trata del Right On! Tras este corte, empieza a suavizarse la melodía con idea de ir terminando.
Considero que la parte central de la sesión es la condensa los temas que más me gustan. Mi primera incursión seria con esta música la considero positiva. Próximamente iremos aumentando la “dificultad” de las sesiones con estilos más complejos.

ESCUCHANDO: GARBAGE - Version 2.0 (1998)

La decada de los 90 estaba empezando a caducar, abril del 98, cuando un videoclip me llamaba poderosamente la atención por su paranoia. No recordaba que esa chica pelirroja, algunos años atrás cantaba Stupid Girl, solo tenía mente para lo que vi y escuché en ese momento. La pelirroja era Shirley Manson y el grupo era Garbage. Este álbum me abrió la puerta a una música distinta, permitiéndome por aquel entonces, ver más allá del Heavy de los Maiden, el caduco grunge de Pearl Jam y Nirvana, o del Rock clásico de Bon Jovi.

Garbage es un grupo que cuida hasta la extenuación los detalles de sus discos, no en vano, salvo la cantante, los otros tres miembros del grupo son productores musicales. Sirva de ejemplo que Butch, el batería, fue productor del Nevermind de Nirvana. Entre las innovaciones destacables, utilizan la electrónica, samples... Es el camino hacia un "rock" fusión, guitarras y electrónica.

Es muy importante tener en cuenta que si no te gusta este análisis, antes de cerrar esta ventana, no te debes marchar sin leer sobre la última canción. Tema lindísimo y de los mejores de los 90.

Nos quedamos en esta ocasión en el segundo de sus discos, Version 2.0, del que sin lugar a dudas podemos hablar como su mejor álbum. El álbum tiene unas letras geniales. Hay muchas formas de explicar lo que se quiere decir, y el resultado son letras que envuelven el mensaje de mil formas distintas. Vean el ejemplo del primer tema, que presenta infinidad de frases para recoger la idea de querer que alguien nos posea. Visitemos un poco sus temas (traducciones en http://www.letrastraducidas.com/Garbage/).

Temptation Waits (http://www.youtube.com/watch?v=xvFAbl9ppCs): Pues nada, ¿hablábamos de arreglos electrónicos? No se podía empezar de mejor forma el álbum, con un tema rápido. Pero quizás, si nos fijamos, podríamos poner de manifiesto una cierta limitación en la voz de Shirley, la cual se moverá durante todo el disco en tonos bajos con esfuerzo y justo cuando se le exige, aparecen los arreglos. Escuchar el tema en directo lo evidencia. Pero ahora bien, el estribillo, con la voz con un poco de ayuda, luce estupendo. Si hablamos del último minuto y medio de la canción, ya lo hacemos de uno de los mejores del disco. Las ganas en Shirley conjugada con la fuerza melódica quedan brillantes. Esto es tan solo el comienzo.

I Think I’m Paranoid: Segundo single y uno de los himnos de Garbage que incluso podemos tocar en algún videojuego musical. Con unos primeros segundos algo tranquilos, en cuanto empieza a creerse "paranoica" el tema gana potencia. La canción está perfectamente dividica entre la parte más tranquila y la parte del puente-estribillo, donde se acelera el corte. Las letras recuerdan un poco al grunge de primeros de los 90, y el riff de guitarra es muy característico y recordable. (http://www.youtube.com/watch?v=rpRiSb_Ir-s)

When I Grow Up: Locura en uno de los temas que ayudan a identificar a este grupo. En este cuarto single, el comienzo es genial. Tras una intro casi de puntillas, una explosión de instrumentos. Tras este medio minuto. La voz manda en el tema y la percusión pone toda la fuerza. Se trata de unos de los grandes temas de esta banda (http://www.youtube.com/watch?v=eE3ZEQqpm3c).

Medication: una nueva perspectiva dentro del álbum. Bajamos el ritmo del disco con un corte que apenas presenta arreglos electrónicos. En este tipo de temas es donde mejor se mueve Shirley. Suave canción sobre la dependencia y locura por otra persona.(http://www.youtube.com/watch?v=PWti8wGU8ZU).

Special: de las mejores canciones del disco. La cantante se deja llevar, presentando una de las mejores interpretaciones del álbum. Cuando alarga la estrofa queda realmente linda la voz de Shirley. Las segundas voces al final del corte hacen sobresaliente el corte. La base del bajo enamora y el cambio de peso de los instrumentos en el estribillo da un brillo "special" al corte. Las últimas frases cantadas suenan muy cálidas. He de decir que el vídeo de este tercer single me gusta muy poco (http://www.youtube.com/watch?v=s_m7CuVZTVc&feature=related).

Hammering In My Head: con un comienzo “alarmante”. Se trata de una canción acelerada cuyo ritmo baja con cada estribillo. La sensualidad se apodera del final del corte gracias a la forma en la que Shirley termina por susurrarnos al oido. Desde luego el grupo sabe mimetizarse con lo que desea. Para llamarnos la atención usan ese sonido que recuerde una alarma y cuando quieren atraernos, usan el erotismo en la voz. Es casi esquizofrénica la canción. Va una versión en directo (http://www.youtube.com/watch?v=yaAarOaLGLg)

Push it: Fue el single del regreso, su nueva tarjeta de presentación. La voz aparece como sintetizada. El tema que terminó por lanzar a Garbage. La música crea un ambiente muy peculiar siéndolo todo en esta canción. Uno de los grandes temas de la década sin lugar a duda, gracias a las fabulosas guitarras, la base electrónica tan oscura, la cálida y a la vez fuerte voz de Shirley. Video paranoico que consiguió lo pretendido, llamar la atención.(http://www.youtube.com/watch?v=z-CHEnJ7gnc).

The Trick Is To Keep Breathing: muy elaborada canción, conjunción de gran variedad de sonidos y mezclas, incluso aparecen instrumentos de cuerda. Shirley parece no dedicarse solo a cantar, pues su interpretación vocal se superpone a las melodías y por momentos pareciera suplicarnos con su canto. Una vez más queda demostrado que en las canciones de ritmos más bajos, ella alcanza su mejor nivel. La base del bajo es hipnótica. Junto con el anterior tema, estamos delante de la parte más oscura del álbum. El tema nos habla de la falta de respeto del hombre sobre la mujer. En el vídeo que adjunto, la canción empieza al minuto (http://www.youtube.com/watch?v=t3TaSK9CelY).

Dumb: Bajo mi punto de vista, el tema más flojo del álbum. Dumb no es que sea mala, sino que simplemente, hasta este momento del disco, Garbage nos fue demostrando lo que era capaz de hacer y en este tema, dejan de ofrecernos posibilidades. Tiran de recursos. Lo mejor de la canción, las guitarras. Canción en el vídeo, a partir del minuto y 10 segundos (http://www.youtube.com/watch?v=9CFf_HlSnF4).

Sleep Together: Se trata de un tema preparado para nuestra pelirroja. La música no es protagonista en el tema, al contrario que en otros. La voz más que sensual cantando lo que nos canta, eleva el erotismo del disco. La base musical acompaña perfectamente, dándole al ema justo lo que necesita. ¿Quién sería capaz de rechazar a la señorita Manson si nos canta esto de esta forma? Es una canción para lucirla. La canción empieza a los 15 segundos en el vídeo (http://www.youtube.com/watch?v=Bo-L-JuTmoA).

Wicked Ways: Quizás sea la canción menos Version 2.0 del álbum. No se parece en nada a lo escuchado hasta el momento. Por momentos, presentan las guitarras más agresivas del disco. Muy brillante la segunda mitad de la canción, con un final muy llamativo. Una gran antesala para lo que se nos viene encima. En el vídeo, canción a partir de los 15 segundos. (http://www.youtube.com/watch?v=ucKMkNSsMNs).

You Look so Fine: Mi gran debilidad. Shirley no nos canta, nos acaricia con la voz. La intensidad de este corte es su punto fuerte. Es una balada que te agarra y no te suelta hasta los segundos finales. Su voz nos arrastra magistralmente hasta el canto del primer You Look so Fine, donde alarga la última palabra y se deja acompañar con los instrumentos en una simbiosis auditiva soberbia y sobrecogedora, de las que ponen la piel de gallina. Tras el estribillo pareciera bajar la intensidad de la canción, que termina con un juego de segundas voces que le da un toque melancólico final a de una las mejores baladas de los 90. Ella se desgarra pidiendo amor con una base de piano que acompaña perfectamente la situación. La letra es triste, pues no se puede hacer más por conseguir a ese alguien, teniendo que terminar como en el Lie to Me de Bon Jovi(http://sidinor.blogspot.com/2009/01/escuchando-bon-jovi-these-days.html), pidiendo una mentira, pidiendo fingir un final feliz. (http://www.youtube.com/watch?v=vTyoanfuIr0&feature=fvst).

Estamos ante el "Disco" de Garbage, su mayor éxito. Algo muy difícil de igualar. Quizás el éxito de esta banda vino con Version 2.0, pero también se terminó aquí. Las cotas de calidad que se pueden escuchar son muy elevadas. Avanza estupendo durante sus pistas, pero el clímax se alcanza justo al final, con el tema You Look so Fine, tremenda canción de amor, que sin duda alguna, junto con Push It, son las mejores de todo el disco. Es el mejor disco de laboratorio de la decada de los 90 (del de nuestra actual década, Gorillaz - Demon Days, hablaremos próximamente).

THE 90's: CROWDED HOUSE - Distant Sun (1993)

Banda desconocida para mucha gente, pero de una relevancia y calidad descomunal. Su cantante, Neil Finn (27 de Mayo de 1958, Nueva Zelanda), es uno de los grandes artistas de nuestra época. No solo ha trabajado con Crowded, pues con su hermano, formó Finn Brothers, grupo del cual presentaremos próximamente un análisis.

Seleccionar una canción buena es muy difícil. Sirva de ejemplo el Greatest Hits de 1996 que presentaba 19 canciones, sin que alguna sobrase. Escogí este tema de 1993 del álbum Together Alone, sobre todo por el mensaje que transmite: segundas oportunidades, apoyo y confianza a esa otra persona. Sirva de ejemplo lo que nos cantan tras el primer estribillo: eres joven para viajar lejos - y lo bastante viejo para saber quien eres - lo bastante sabio para llevar cicatrices - sin culpa, sin nadie a quien culpar - es fácil olvidar lo aprendido - esperando que regrese la emoción. Sin duda, la voz melodiosa de Neil, ayuda a que estas seis frases lleguen hasta dentro.

Las melodías de Crowded House son muy homogéneas. Nada destaca especialmente, obteniendo un resultado brillante, en el que cada componente de la banda es pieza importante en el sonido característico de estos chicos. Muy dados a usar segundas voces y acompañamientos, este tema no sería menos. El videoclip, recoge los típicos vestuarios y montajes de la época, con un resultado bastante aceptable.

THE 90's: ROXETTE - Crash! Boom! Bang!

http://www.youtube.com/watch?v=aoXrd3_3fYI

Si vale, lo admito, es pop comercial. Si, también lo admito, es una balada más. Pero la cosa es que esta canción me sigue acompañando siempre. Fui (y aun sigo siendo) un gran seguidor de estos suecos desde su álbum Joyride (1991) y fue con este tema (1994), cuando le juré seguimiento eterno al grupo. El disco, que tomaba como título el de la propia canción, me parecía bastante aceptable con temas como Run to You, o el de despedida Go to Sleep.

Sin duda, era la canción Crash! Boom! Bang! el núcleo central del disco. El tema nos cuenta lo inevitable que es enamorarse, aun sabiendo que dicha situación nos traerá más de un problema. Es algo cierto sin duda, nuestra condición humana nos lleva a repetir actos que sabemos que nos harán daño, pero que no podemos evitar.

Desde el comienzo la canción es dulce. Unos acordes de guitarra nos prensentan el tema, que lleva una base muy suave de percusión y órgano que se repetirá durante todo tema, salvo los escasos 20-30 segundos que dura un cambio de ritmo pasada la mitad del tema. Tras el primer estribillo la guitarra de Per toma más protagonismo, la voz de Marie toma fuerza y la percusión y bajo reclaman su presencia. A los 2:25 el tema se silencia, para acto seguido ser retomado con mayor celeridad y llevarnos con la voz de Marie desatada hasta el final de una bellísima canción.

ESCUCHANDO: EDITORS - An End Has a Start (2007)

Grupo inglés de la escena indie, caracterizado por unas señas muy diferenciadas, como son la velocidad de sus ritmos, sus riff de guitarras agudos y una voz, la de Tom Smith, que enamora. Es posiblemente una de las mejores voces contemporáneas. En directo es un grupo que da muy bien, como demostraron en el Summercase hace unos años. Este disco que tratamos, concretamente, su segundo álbum tiene unas primeras canciones que te atan al resto, pidiendo más temas, pues se nos hace algo corto el disco (letras traducidas en este enlace: http://www.letrastraducidas.com/Editors/).

Smokers Outside the Hospital Doors: Auténtica declaración de intenciones. Ritmo potente de batería, bonita voz y de repente, punteos de guitarras agudos. Durante el tema pesan el bajo y la batería. La guitarra se dedica a acompañar hasta el momento del estribillo, donde gana fuerza. Tenemos un momento de voz más piano que nos llevará otra vez a la potencia de la batería y bajo, simulando una tormenta, rota por el rasgueo de la guitarra. El tema dota de un comienzo espectacular al álbum. (http://www.youtube.com/watch?v=_21MaVnU8oo).

An End Has A Start: Se cumple el patrón de batería más la entrada de la guitarra aguda. En este segundo corte, las guitarras aparecen más fuertes en los puentes, siendo un mero fondo durante el desarrollo y estribillo de la canción, donde manda el bajo. Particularmente, adoro el ritmo marcado por la batería, pues aporta la velocidad justa que necesita el tema. (http://www.youtube.com/watch?v=NMKEHQqREMo).

The Weight of The World: Continuamos con un tema donde la batería manda desde el primer sonido. Tema más triste que los anteriores, que hace disminuir la intensidad de un disco que comenzaba realmente bien. (http://www.youtube.com/watch?v=aXqHqxXa6yA).

Bones: Primera innovación. Ganan las guitarras en la intro del corte, aunque desaparecen para el desarrollo del tema hasta los puentes. La voz recuerda por momentos a la de Morrisey (no será la única vez en este álbum). Una vez más, tema muy veloz, acelerado por momentos como consecuencia del rasgueo de la guitarra (http://www.youtube.com/watch?v=qjpmrIL-ZMg&feature=related).

When Anger Shows: Un comienzo calmado de órgano, se ve acompasado por ritmos veloces de batería. Variedad y conjunción de ritmos y compases, con unos rasgueos de guitarras característicos, acompañan a la voz de Tom, encanjando todo perfectamente. Muy bonito tema, que llegando a la mitad del tercer minuto da un giro rítmico, que dota de una nueva dimensión a la canción, que terminará con una fuerza inconmensurable (http://www.youtube.com/watch?v=LcqRIn7kv_k&feature=related).

The Racing Rats: Un corte cinco estrellas junto con el primer tema. El piano se usa al comienzo rápidamente. Junto con los rasgueos apresurados, se le une una batería endiablada llegando casi el primer minuto (45 segundos). La canción no deja de ganar potencia a medida que avanza, a la par que la voz de Tom se suelta con el segundo estribillo, alargando lo cantado. Por la mitad del tema, un rasgueo infinito, termina por desatar a nuestro cantante. En directo, este tema es realmente espectacular (http://www.youtube.com/watch?v=KpH697da4KQ&feature=related).

Push Your Head Towards The Air: Melancolía. Bajamos la velocidad del cd drásticamente. En cuanto empiezan a cantar, vence la tranquilidad total en el tema. A cada pocos segundos de la canción, se le van añadiendo nuevos pequeños sonidos. La voz se desata cuando los instrumentos quieren hacerse más fuertes. Tenemos un cambio de ritmo casi a los tres minutos, que embellece más, si cabe, el resultado del que sin duda es un tema lindísimo. El final, con segundas voces y piano, es muy íntimo (en el vídeo está algo recortado con respecto a la versión del cd). Prensenta una de las mejores letras del álbum (http://www.youtube.com/watch?v=SQVOtGabyWc).

Escape the Nest: De lo más oscuro del disco al principio, deja a las claras la importancia del bajo en esta banda. El peso del desarrollo de la canción es del bajo, batería y voz, siendo la guitarra un elemento acelerador e instrumento de estribillo prácticamente. Cuando la seis cuerdas aparece, es tan aguda que pareciera que fuera a darse la vuelta (escuchar el minuto 1:20). Justo por la mitad, parece dejar de cantar para pasar a suplicar. La batería es tremendamente consistente en los estrillos (http://www.youtube.com/watch?v=KlFpCdfEz08).

Spiders: La más melódica de las canciones de Editors que jamás escribiesen. Punteo para empezar y una de las interpretaciones vocales más graves y directas de Tom. Hasta que aparecen los rasgueos sueltos de guitarra, el bombo y los platos son prácticamente los únicos acompañantes. La guitarra hace parecer la canción música oriental, presentando siempre lo que parece ser un llanto, un grito de desolación. El final pareciera un ritmo sacado de algún disco de Garbage. (http://www.youtube.com/watch?v=l2DehLfOeAE&feature=related).

Well Worn Hand: ... y punto final. La velocidad la despedimos canciones atrás. Piano y Tom para despedir un disco que tenemos que descubrir. La guitarra, cuando aparece, casi parece una bandurria. Es justo en este tema, cuando Tom canta "I'm so sorry", cuando más paralelismo encontramos con Morrisey (http://www.youtube.com/watch?v=_z4_u8tRkcM).

Editors merecen ser descubiertos y hacerles un hueco en nuestra discoteca. Estamos ante un buen disco, donde la banda explota a la perfección cada uno de los puntos fuertes que tienen. Destacan que las guitarras apenas marquen ritmos, teniendo su peso en los estribillos y puentes de las canciones. El bajo es muy importante y queda demostrado teniendo en cuenta su impotancia junto a la batería. Todos los instrumentos utilizados en el álbum encajan perfectamente, estando muy medidas las entradas de cada uno. Aun le qudan mucho por andar a esta banda, pero sin duda, este disco fue un paso firme que se dio hace ahora, un par de años.