Dance floor

Hoy os traigo dos de mis sets favoritos; la primera es mi última sesión house, esta vez tiene temas más actuales, más bailables y que contienen más letra, un sonido perfecto para empezar la noche,

First Hour
http://www.megaupload.com/?d=K4RN6ORE

Primer tema


La segunda es esta vez de un estilo diferente, mi preferido, que es 'Dark Progressive House' y que se caracteriza por casi la total inexistencia de letras a la vez que ritmos y sonidos más potentes que van de menos a más con sus correspondientes paradas a mitad del tema. El término 'dark' hace referencia a la profundidad y la atmósfera creada por cada uno de los samples que crean un sonido serio y contundente.
Este estilo suele ir acompañado muchas veces de temas tribales que se caracterizan por la contundecia de los bombos y el acompañamiento de ritmos de timbales y una percusión más elaborada.
Esta sesión empieza por la parte más tribal y poco a poco se va volviendo cada vez más oscura con unos temas finales bastante profundos y serios. Esta es mi sesión favorita, espero que os guste,

Midnight
http://www.megaupload.com/?d=OIQN3O23

Los temas de la segunda sesión son tan underground que no he podido encontrar videos de ninguno de ellos por youtube, lo siento.

Un saludo.

EN DIRECTO: DEVOTCHKA - The Clockwise Witness (California, Febrero 2009)

Devotchka es folk. La guitarra son los punteos de un violín, las veces de bajo las hace un sousafón (una especie de tuba). Luego una "simple" batería y un cantante con guitarra. Nick Urata, nuestro cantante, confiesa que de no haber aparecido en la banda sonora de Pequeña Miss Sunshine, tal vez no hubieran pasado de tocar en pequeños locales en su país.

La actuación que se nos presenta aquí, se desarrolla en la Viper Room (http://www.viperroom.com/), sala californiana propiedad de Johnny Depp.

Devotchka es un grupo multi-intrumentista, que tras escuchar alguno de sus discos no es difícil encontrar trompetas, pianos, teremines, acordeones, pianos, contrabajos... La música de estos chicos de Colorado siempre parece sacada desde la mismísima Europa del Este. Posiblemente no sea el tipo de melodías que estemos acostumbrados a escuchar, pero temas como éste en su versión de estudio (http://www.youtube.com/watch?v=PvpJdVhTwhg), o quizás el más reconocido de sus temas How It Ends (http://www.youtube.com/watch?v=Pfi1UQ_PKQI&feature=fvst), son un buen aperitivo que nos permite darle una oportunidad a sus dos disos.

Como en el tema que traemos en directo, sus canciones pueden llegar a presentar melodías muy melancólicas o ritmos locos de violín en sus temas más folks. Sus canciones a veces parecen juegos donde se nos pida que adivinemos con que instrumento nos tocan en esta ocasión.

Muy recomendables para su descubrimiento por ser algo distinto, pero eso si, con mucha calidad melódica. Dejo enlace de sus dos discos en Spotify (http://open.spotify.com/user/sidinor/playlist/4Z8rrEyKc4GSa8j4lUvB3h - http://open.spotify.com/user/sidinor/playlist/4KJY8Tiddf2TPnTkY8sudB).

EN DIRECTO: FINN BROTHERS - Nothing Wrong With You (Melbourne, Noviembre 2004)

Enmarcado dentro de las Max Sessions australianas (algo similiar a los MTV Unplugged), rescatamos un tema del concierto que se celebrara en Noviembre de 2004 por los Finn Brothers, banda de Nueva Zelanda, formada por Neil y Tim Finn. Sin lugar a dudas, el más conocido de los hermanos se trata de Neil, cantante de la gran banda de los 80-90 Crowded House (tenéis comentada un vídeo suyo http://sidinor.blogspot.com/2009/06/90s-crowded-house-distant-sun-1993.html).

En ese mismo año 2004 sacaban su segundo disco Everyone is Here, álbum de una calidad musical indiscutible, de arreglos cuidadísimos, con melodías muy suaves y cálidas. La versión en directo del Nothing Wrong With You, es sin lugar a dudas, la mejor que pudieron disfrutar aquella noche en Melbourne.

Desde el principio del tema existe una pequeña variación en la guitarra que aparece grabada en el álbum, variación que embellece el tema. Juegan con las dobles voces desde el principio (como en casi todo el álbum), es algo que les gusta y que manejan a la perfección. Son voces similares pero con registros bastante diferentes. Al final del tema, la explosión musical de los instrumentos que aparecen tocados con mayor ímpetu, dotan de velocidad al epílogo de un tema que comenzó muy relajado.

Se respiraba virtuosismo melódico en el Arts Centre de Melbourne aquella noche. Una auténtica delicia musical. Regalo para los oídos, hecho desde el recogimiento de una pequeña sala con unos pocos amigos.

NACH - UN DÍA EN SUBURBIA

El rapero alicantino, Nach Scratch, nos honra este año con su nuevo disco "Un día en suburbia".

Compuesto por 17 canciones y bajo la productora Universal Music, Nach ha contado con la colaboración de All Day Green, Zpu, Cres, Abram y Diana Feria.

Un día en suburbia, como su propio nombre indica, muestra el día a día de la calle empezando con el tema amanece, y terminando con anochece y un hidden track.

1.Amanece: http://www.youtube.com/watch?v=UpkZDQXCAXA&feature=PlayList&p=46052A1DB3A41346&index=1

Introducción al álbum. Se nota un avance progresivo en la base, haciendo una metáfora al amanecer, entrando suavemente para acabar con fuerza y empezar un día en suburbia.

Como curiosidad para los amantes del metal, os dejo un tema de Epica con la misma base que este tema:

Epica- Blank Infinity - http://www.youtube.com/watch?v=E5oc9TYc7XQ

2.Mil vidas: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=jxnlGudhvP4

"Mil Vidas, quisiera vivirlas todas, una sola es poco y yo choco entre las olas del tiempo,

horas yendo a la deriva ¿porqué solo una época?, ¿porqué solo una perspectiva?"

3.El juego del rap: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=0IkbbH43xb4

Cuenta con la colaboración de Zpu y contiene una temática deportiva.

4.Esclavos del destino: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=EFCSvGE8-5A

La opinión individual no vale. Somos esclavos de altos cargos que eligen por nosotros. Un buen tema para quien le de por abrir los ojos.

5.Ángel: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=TmEYQLgNpzc

Este tema va en homenaje a su hermana, que falleció cuando él era muy joven. Un tema suave que cuando lo escuchas te deja un pellizco. “Me salió muy fácil la letra porque creo que estaba ahí, en algún rincón de mi subconsciente, pero yo no lo sabía.”, afirmó Nach en una entrevista.

Cuenta con la colaboración de un coro de Gospel, con una sección de cuerda de la Orquesta Sinfónica de Madrid y con el pianista de jazz Moisés Sánchez.

6.Efectos Vocales: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=ZGwbZNrnoos

Es el tema con el que realiza la presentación de su disco. El tema se estructura en tres partes,

una primera parte escrita con la 'A', la segunda parte escrita con la 'O', y la tercera y más difícil,

escrita con la 'E'.

7.Nada ni nadie: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=4btV8iUjYJ8

Es muy complicado elegir un tema favorito de este disco, pero uno de los que remarcaría sin duda sería "nada ni nadie" para escucharlo detenidamente en los momentos en que peor estás, pues será un aliado.

8.Sr libro y Sr calle: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=A7T5sZbK1Co

Tema donde trata la base de la cultura: los libros y la calle.

9.Héroes: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=x1gq-WJiyFE

Nach rinde homenaje, con la colaboración de Abram, a aquellas personas que no son reconocidas públicamente como héroes de la sociedad, y su valentía y honor se quedan tras cuatro paredes.

10 El amor viene y va: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=gDXTxXp2CxE

"Sin amor no hay futuro", es lo que nos muestra Nach, de que siempre habrá amor y desamor, pero que en nuestra vida siempre habrá un hueco para un amor que venga.

11.Infama: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=Tjy1YSDg2UY

Tema que trata de la fama.

12.Quiz Show: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=DSsvSFWoJWo

Con temática de programas de televisión, Nach hace una reflexión sobre lo que la televisión absorbe a la sociedad, de tal forma que nos olvidamos de lo que hay fuera.

13. Vive mientras puedas: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=G90uznxjWow

Es un honor al Carpem Diem, que los días pasan vagos sin aprovechar lo que tenemos,

hasta que de un día para otro, te das cuenta de que has perdido toda tu vida.

14.Rapkour: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=7Qx1xbiNhig

Canción dedicada a todos los traceurs contando con la colaboración de Cres, donde entremezclan el arte del rap con el parkour.

15.Los Años Luz: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=CN7OXi4HEns

Cuenta con la colaboración de Diana Feria. Una canción que habla de los sueños y las metas por conseguir.

16. Anochece: http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=zQfHRqHFisE

Tema con el que termina un día en suburbia. Con una base tranquila, cuenta hechos del día a día, y las cosas que hacen que realmente la vida merezca la pena. Buen tema para escucharlo por la noche, cuando ha finalizado el día.

17. Manifiesto (Hidden Track): http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=o80gipHKyBw

Es el tema oculto del disco. Una reflexión sobre la sociedad, que merece la pena pararse a escuchar.

EN DIRECTO: AC/DC - Thunderstruck (Donnington - 1991)

Estrenamos sección con una debilidad. Para empezar por el escenario, pues Donnington, para cualquier buen amante de los Maiden, es considerado un templo como consecuencia del directo de la gira del 92. Pero un año antes, y siguiendo con la debilidad, tenemos a otro de los grandes, AC/DC santificando el templo musical inglés.

Thunderstruck es un vivo resumen de la música de esta banda. Fuerza en estado puro, rock desde las entrañas, un riff demoledor, una voz rota que llega más allá, un bajo que marca el paso y una batería de ritmo algo sencillo pero muy fuerte. Es en el directo donde una banda demuestra que sabe tocar música y sin duda la banda de Angus y Malcolm Young poco tiene ya que demostrar. Además, ver a Angus tocar la guitarra mientras realiza sus pequeños saltos, es uno de los iconos del rock.

Los coros, el inicio de batería, el estribillo que se torna himno, la entrada de las primeras frases que canta Brian Johnson... todo es un lujo que consigue conjuntar una de las mejores canciones de la dilatadísima carrera de AC/DC.

A quien le guste la música dura, tiene tres directos que no debe perderse jamás: Metallica, Iron Maiden y AC/DC, cada uno en su estilo, son los tres pilares básicos de los directos del rock - metal. Lo bueno es que aun a día de hoy, podemos verles.

ESCUCHANDO: COHEED & CAMBRIA - Good Apollo, I'm Burning Star IV, Volume One: From Fear Through the Eyes of Madness (2005)

DISCO EN SPOTIFY (http://open.spotify.com/user/sidinor/playlist/4K50epjwENEvx6VfjphAUv) ¿Puede un grupo que afirma que se necesita escuchar Iron Maiden para aprender música, hacer Rock Progresivo, baladas roqueras clásicas y parecer Thrash Metal en ocasiones y en otras rock californiano tal vez algo adolescente? ¿Maiden, Tool, Metallica y Pink Floyd en un solo grupo? Si se dejan los complejos a un lado, no se presenta ninguna idea previa acerca de la voz del cantante que nos toca (Claudio Sánchez) y se disfruta el tercer disco de esta banda Neoyorquina, estamos ante un compacto que se disfruta más, con cada nueva ocasión que se escucha. Ninguna canción tiene desperdicio. Nada sobra y todo está donde debiera estar, incluso la elección del orden de las canciones es la correcta. El cantante demuestra que no es necesario tener una voz arrolladora para cantar este tipo de música. Aunque utilice muchos falsetes, no hace falta ser Bruce Dickinson para cantar metal. Es el disco ideal para descubrirlos.

Son ya 4 los discos de estudio de esta banda, cuyo proyecto artístico va más allá de la música, pues tienen una serie de cómic que son fuente de inspiración para sus discos conceptuales. De los cuatro álbumes, es éste, el del año 2005, quizás el mejor de todos hasta la fecha. El mótivo son los cortes que a continuación detallamos (letras: http://www.letrasmania.com/album/letras_de_canciones_coheed_and_cambria_4693_letras_good_apollo,_im_burning_star_iv:_volume_1_from_fear_through_the_eyes_of_madness_15354.html):

"Keeping the Blade" podemos definirla como típica introducción de álbum metalero. Instrumentos clásicos, adornan una melodía que no es nueva para quien haya escuchado los discos anteriores de la banda. Lo que si es cierto, es que la pieza del año 2005, es su mejor versión. Estamos ante una intro melódica preciosa. No se podía pedir más para empezar. (http://www.youtube.com/watch?v=iPR4HtbNYg8&feature=PlayList&p=B29F728D1BFE0FBA&playnext=1&playnext_from=PL&index=6)

"Always & Never". Lo más parecido, melódicamente, a una nana. Evidentemente cantar bajo ayuda a la limitación de la voz del grupo. Tema muy bonito con una estrofa final un tanto desconcertante. Tras estas dos primeras canciones, cualquiera dudaría que estamos escuchando un disco de "metal". Pues bien, parece que ellos también se dieron cuentan, pues a partir de ahora se desetan progresivamente hacia el ritmo del metal. (http://www.youtube.com/watch?v=HYKZfM-itEU&feature=PlayList&p=B29F728D1BFE0FBA&index=7)

"Welcome Home" (http://www.youtube.com/watch?v=ZEsnX4utdyQ): uno de sus singles más conocidos. A la calidad del tema, tenemos que añadirle su aparición en el videojuego musical Rock Band, lo cual la hizo ser una de sus banderas. Es uno de sus temas más completos. Introcucción española, fotísima entrada de dobles bombos, guitarras y bajos pesados y potentes y hacia la mitad del corte, presenta un cambio de ritmo, que dura lo justo para no hacer pesado el largo final instrumental, que como no, presenta coros finales para darle un toque más épico. Se trata de un claro ejemplo de lo que es capaz este grupo.

"Ten Speed" (http://www.youtube.com/watch?v=bBvpB-NYoy4): Presenta un ritmo vocal y musical frenético. Pero la clave que hace que esta canción esté entre una de mis favoritas de este grupo, es la base rítmica de batería y bajo. Es un tema sin fisuras rítmicas, muy homogéneo. El juego de segundas voces adornan magistralmente el tema, además de siempre querer decir algo y dotar de una "décima velocidad" a la canción. Entre las mejores del disco.

"Crossing the Frame": Canción tremendamente interesante, especial. Los platos de la batería, las palmadas, bajo y guitarras lucen bárbaros. Puro ritmo. El tema deja abierto el estilo musical del disco, presentando melodías que quizás no se puedan encasillar sencillamente. Una vez más, sobre los 2 minutos de canción se minora el ritmo del tema, para retomarlo con más fuerza al final, dejándose acompañar de las palmas que elevan el poderío rítmico. (http://www.youtube.com/watch?v=KCEqLUmfvVI)

"Apolo I The Writing Writer": Solo la intro ya nos dice algo. Te lleva a algún lugar lejano en la galaxia. Cuando empieza el auténtico corte, el batería vuelve a lucirse, el bajo manda, y las voces son las mejores del disco, nos avasallan desde el comienzo, sin sar aliento alguno. Tema importante, pues se repetirá más adelante (canción 14 del disco) para convertirse en un cinco estrellas. Rondando al minuto 4 de canción tenemos la mejor parte, aminorando y cortando el ritmo, como si estuvieran cogiendo fuerza para terminar la canción. (http://www.youtube.com/watch?v=YvmxIITL8qs)

"Once Upon your Dead Body": (http://www.youtube.com/watch?v=lOmuxAvzXhE) la melodía de base es de las mejores del disco. Pensar en lo que llevamos escuchado y descubrir lo que nos queda, es lo que encumbra el álbum. Se cambia el registro a melodías más lentas y dulces. El puente y estribillo de la canción son deliciosos. Estos son los temas del Metal, que engrandecen este tipo de música. Llena de sentimiento tenemos una lindísima balada que da pie a la canción más lenta del álbum "Wake up" (http://www.youtube.com/watch?v=ojasq626CgQ), donde se siguen dando rienda suelta a las emociones (siempre dentro del contexto de la historia que cuentan los discos). Como única pega, habría deseado que fuera más corta la canción, para no frenar tanto el ritmo del disco, pero este detalle queda totalmente olvidado con lo que viene a continuación.

"Suffering" (http://www.youtube.com/watch?v=wCZMqx3PdFY): es un auténtico himno. El juego de segundas voces y coros que tanto gusta a estos señores vuelve a aparecer, para dar velocidad a un tema que va ganando conforme avanzan los segundos. Los punteos de guitarra adornan magistralmente lo que podría considerarse un ejemplo de canción de heavy moderna, pero con todos las características destacables de siempre. Se trata de un tema con carisma, que gusta escuchar y cantar, a parte de ser el típico tema que uno se imagina coreando en un directo.

"The Lying Lies & Dirty Secrets Of Miss Erica Court": Potencia para continuar, comienzo lento pero con un bajo acelerado, que no baja el ritmo en todo el corte. Evidencia de la huella que se ha querido dejar en el compacto, el bajo y la percusión mandan mucho y bien. Claudio, el cantante se gusta en esta canción, pues no le exige demasiado y le permiter lucirse (http://www.youtube.com/watch?v=BnqQ7VrynBo.

"Mother May I": con la sensación de cadencia rota hasta el estribillo, tenemos un nuevo tema lento al cual le cuesta arrancar un poco, pues creo que tarda demasiado en llegar a los ritmos finales. Aun y así queda demostrada la maestría con los temas más lentos. Son realmente agradables. Gusta escucharlos. La voz al final de esta canción es la mejor versión del álbum. Maestría en el punteo que acompaña al estribillo y nueva demostración de que la voz de Claudio funciona especialmente a partir del tercer minuto del corte (http://www.youtube.com/watch?v=xQcq62KqWQU).

Entramos ya en la última media hora del disco, la denominada "Willing Well". Cuatro canciones largas son la antesala del final. La primera de ellas es de las más agresivas, "Fuel for the Feeding End" (http://www.youtube.com/watch?v=9Pn3GXm5GKI) con el bajo desatado avanzamos atropelladamente por una canción seria, algo oscura y dura sobre los dos minutos... para parecer un tema californiano tipo Sugar Ray tras esta parte, menuda mezcla. Tras este tramo, más coros épicos casi épicos y nueva dimensión. El final, alfombra roja para el reinado del bajo. Turno ahora para "From Fear Through the Eyes of Madness", (http://www.youtube.com/watch?v=sS6BmrA6dSY) que musicalmente será de los temas más alegres del conjunto. Canción para que fuera cantada por una voz femenina. Cuando pasamos los dos minutos y medio del tema, la batería relanza la canción y la lleva al punto que el disco reclama, melodía épica y de nuevo oscuridad y crudeza instrumental. Aporta, muy acertadamente, solos de batería y guitarra, acompañados por coros que quedan muy Maiden.

"Apollo II The Telling Truth" (http://www.youtube.com/watch?v=hk33WaLEff0). Llegamos a la tercera parte de este final, donde con la base de la primera canción con el título de Apollo I The Writing Writer, se hace una nueva canción, más larga y diferente a la anterior. Tema muy mejorado que se convierte en un cinco estrellas de la banda. A la mitad del corte, parece Rock californiano. Automáticamente, se hace heavy de nuevo, casi speed metal. Es una sabia decisión explotar “Apollo I”, porque a parte de dar la sensación de disco temático, parece que estamos llegando a algún sitio.

Y el punto al que se llega es a "The Final Cut" (http://www.youtube.com/watch?v=n0bECnyHnR0). Símplemente sublime y espectacular. De lo más melódico que vamos a escucharle a este grupo. Disfrutar este tema es muy sencillo con el punteo que se marcan a la mitad y que recuerda en algo a los Pink Floyd del "Shine on Your Crazy Diamond". Esta canción es maestra en este arte musical, dado que aguantan magistralmente el solo para dar pie al final melódico de la canción. Corte digno de ser escuchado tanto por su parte instrumental como vocal, pues la voz de Claudio se acopla perfectamente a lo que la canción exige en cada momento. El bombo de la batería pareciera haberse creado para este tema, pues es magistral como luce y hace lucir la canción.

Uno de los secretos del éxito de este disco es que es bastante melódico y emotivo, dentro del mundo que ellos han creado. Virtuosos de las guitarras y adoradores del bajo, nos presentan un álbum que cuida hasta el más mínimo detalle melódico. Claudio, el cantante y líder, hace un esfuerzo con su voz, que en el resultado de obtenido del estudio, no es nada malo, pero que tampoco desmerece en los directos que he podido ver de la banda. El álbum presenta etapas que nos trasladan a distintos fases diferenciadas, como el comienzo melódico, la aparición de algo más fuerte, velocidad, ritmo lento de nuevo, y para terminar, un grupo de canciones de casi media hora de música que pone el broche de oro a un disco redondo.

Lo diré... obra maestra de la escena musical contemporánea!

THE 90's: BJÖRK - All Is Full Of Love (1999)

Björk, es odiada y venerada a partes iguales, pero nunca indiferente. Dejando de lado al personaje y centrándonos en la música de la artista, innegablemente estamos ante un auténtico genio. Música electrónica, pero siempre experimental, tomamos el que fuese en 1999, último single del álbum Homogenic (1997), pero con una versión diferente a la que aparece en el disco.

Sin lugar a duda alguna, el vídeo de aquel verano del 99 sería uno de los grandes recuerdos de la decada. Un vídeo muy llamativo, inundado de tecnolgía y de amor, suceso extraño y llamativo en ese mundo robótico. Muy comentado, nominado y premiado, el vídeo es merecedor de una visita al menos.

La canción se mueve con unos tonos muy suaves, con una base llena de sonidos orientales y de apariciones de elementos de cuerda. Björk nos acaracia con una voz muy cálida y nos canta a la ceguera que tenemos ante el amor que nos rodea. El corte transcurre lento y solo parece desperezarse cuando al final de lo cantado, nuestra artista islandesa suelta su voz con el insistente mensaje de que todo a nuestro alrededor está lleno de amor. Se trata de un claro ejemplo de lo que me gusta considerar una balada moderna, una balada electrónica. Bellísima y muy melancólica.

DANCE FLOOR

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Hola a todos, gracias por leer esto, si lo estáis haciendo supongo que en parte es porque os habrá gustado esta sesión y me alegro. Hace aproximadamente unos tres meses que empecé con esto de mezclar música y esta es la cuarta que hago, por lo que todavía estoy empezando y aprendiendo mucho. Aparte de algún fallo puntual en alguna mezcla, pienso que está decente en general. Bueno, pues hablando ya de la música en sí, es una sesión que he intentado hacer para gente que no suele escuchar normalmente este tipo de música, por lo que hay temas bastante light, conocidos y algo comerciales, cosa que no me gusta hacer salvo en este caso concreto para llegar a más gente y no habituales. Dentro de estos encontramos temas como el conocidísimo ‘Coraçao’, ‘Touch Me’ de Rui da Silva, ‘Right On!’ de Silicon Soul y el primer tema, la versión house de ‘At Night’ de Shakedown. Aún así he intentado mezclar esos temas con algunos más serios de productores más reconocidos. Dentro de estos encontramos temas de gente como Dj Chus, uno de los más importantes djs y productores nacionales, Sebastian Gamboa, residente de Pachá Ibiza y productor, David Penn y temas incluidos en sets de Roger Sánchez y Erik Morillo, dos de los mayores gurús del house actual.

Todos sabemos que la música de baile sigue un ritmo, bien, la música electrónica es en general música de baile y está basada en ritmos y compases repetitivos que hacen que el dj pueda mezclar unos temas con otros sin que pare la música ni se pare el ritmo. Está terminando una canción, durante unos segundos se oyen sonidos nuevos y cuando quieres darte cuenta la canción ha cambiado y estás bailando la nueva… La melodía, en el caso de que la haya, siempre es algo secundario y está escondida entre samples y sonidos. La música house en concreto se caracteriza por tener ritmos alegres, suaves y muy bailables, además de incluir potentes voces y mucha letra. Es el estilo más light dentro de la música electrónica de calidad sin caer en cosas como el dance, fuera totalmente de la escena musical donde se mueven las producciones y eventos más importantes.

Esta sesión la veo un buen ejemplo de todo esto, empieza con un tema con un sonido muy clubber que engancha, seguido de un par de temas con un ritmo de timbales y percusión que invitan a bailar y hacen que arranque del todo la sesión. Estos desembocan en el cuarto tema, puro house ibicenco con sonidos muy veraniegos y alegres. Toda sesión debe tener sus puntos álgidos y sus bajadas, en este punto llegamos a una parte más tranquila con sonidos que hacen que nos relajemos un poco y que descansemos, y nos introduce en los temas centrales de la sesión que mantienen esa sensación de profundidad con voces más suaves también.

A partir del tema ‘Coraçao’ vuelve a haber una subida de intensidad con temas como la versión instrumental del ‘Right On!’, que se mantendrá hasta casi el final donde entrarán los dos últimos, mucho más lentos y con sonidos muy tirando al chill out, que servirán para cerrar la sesión de una forma mucho más elegante y sutil.

Bueno, es todo, con esto espero haber sabido explicar lo que he intentado hacer con este set y también que se haya aprendido algo sobre este género musical tan incomprendido muchas veces en general y este mundo de beats por minuto y samples.

Un saludo.

HOUSE SESSION by Javi [13/05/09]

DESCARGA SESIÓN AQUÍ:
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Antes de comentar nada, agradecer a Javi este regalo que nos hace. Aficionado de la música en general y de la electrónica en particular, me ha ayudado a adentrarme un poco en el mundo de las pistas, los platos, los ritmos, los tempos… Hoy tenéis a vuestra disposición en descarga directa en el link superior, la sesión house que hizo el pasado 13 de mayo.

Jamás pensé que esta música de diseño, necesitase de tanto esfuerzo por parte del Dj. Ha sido alucinante seguir el proceso de elaboración de una sesión. El Dj. debe manejar una gran cantidad de variables, ante las cuales, el más mínimo fallo, origina el temido error.

El primer paso es uno de los más delicados. Una sesión puede estar compuesta por 10-15 cortes, pero en la cabeza de Javi existen miles de canciones. Para seleccionarlos, se necesita gran tino, una gran capacidad de diferenciación. Tras decidir los cortes, seleccionar el orden de aparición, para ello, dibuja un primer boceto de lo quiere en su mente. Los temas seleccionados hay que remasterizarlos para que todo se presente homogéneamente. Una vez que estos pasos se dieron, nos ponemos manos a los platos. Es el momento de definir, de buscar el ritmo, las subidas y bajadas de los sonidos, la entrada de los cortes… cualquier fallo puede arruinar mucho tiempo de preparación, haciendo que tengamos que volver a empezar.

El house presenta ritmos 4x4 y se trata de un estilo de los más suaves de la música electrónica. Quizás muy trillado, es un tipo de música que ya no llena tanto a los expertos.

En cuanto a la propia sesión, ésta empieza muy fuerte. Sin duda es una forma de engancharnos desde el inicio, aunque particularmente, con el corte que se empieza a disfrutar desde el minuto 7 es cuando empiezo a pensar que lo que escucho me gusta.

Era la primera vez que me pedían que me fijara en una sesión, quiero decir, no limitarme a oír, que apreciase los sonidos. Ciertamente es gratificante ver como se cumple que cada 4x4 un sonido desaparece y se añade otro. La métrica es sagrada a la hora de pinchar.
En el minuto 22 y 28 también se me empezó a ir el cuerpo. Las voces que aparecen en el 22 y las trompetas del 28 invitan al baile.

Ahora vienen lo minutos que más me gustan. En el minuto 32, me imagino una sala a oscuras con esa base de fondo y ciertamente tienen que ser alucinante. La voz masculina queda fenomenal. El tema varía un poco sobre el minuto 37, pero mis sensaciones siguen siendo las mismas. Sensaciones que se elevan a partir del minuto 39, donde la voz masculina pasa a femenina. Los sonidos que se adivinan nuevos suenan espectaculares en este nuevo corte. En este punto pregunté de quién era esta música que me gustaba tanto, y la respuesta fue, sesión de Roger Sánchez. A este señor lo conozco incluso yo.

También me resultó muy familiar el corte que nos llega sobre el minuto 55. Bastante familiar y con unos cantos en brasileños muy sugerentes.

Sobre la hora de sesión vienen los temas más oscuros, menos comerciales quizás. Ya en el minuto 70, me sentí entender del tema, puesto que esta canción no era para nada nueva para mi. Se trata del Right On! Tras este corte, empieza a suavizarse la melodía con idea de ir terminando.
Considero que la parte central de la sesión es la condensa los temas que más me gustan. Mi primera incursión seria con esta música la considero positiva. Próximamente iremos aumentando la “dificultad” de las sesiones con estilos más complejos.

ESCUCHANDO: GARBAGE - Version 2.0 (1998)

La decada de los 90 estaba empezando a caducar, abril del 98, cuando un videoclip me llamaba poderosamente la atención por su paranoia. No recordaba que esa chica pelirroja, algunos años atrás cantaba Stupid Girl, solo tenía mente para lo que vi y escuché en ese momento. La pelirroja era Shirley Manson y el grupo era Garbage. Este álbum me abrió la puerta a una música distinta, permitiéndome por aquel entonces, ver más allá del Heavy de los Maiden, el caduco grunge de Pearl Jam y Nirvana, o del Rock clásico de Bon Jovi.

Garbage es un grupo que cuida hasta la extenuación los detalles de sus discos, no en vano, salvo la cantante, los otros tres miembros del grupo son productores musicales. Sirva de ejemplo que Butch, el batería, fue productor del Nevermind de Nirvana. Entre las innovaciones destacables, utilizan la electrónica, samples... Es el camino hacia un "rock" fusión, guitarras y electrónica.

Es muy importante tener en cuenta que si no te gusta este análisis, antes de cerrar esta ventana, no te debes marchar sin leer sobre la última canción. Tema lindísimo y de los mejores de los 90.

Nos quedamos en esta ocasión en el segundo de sus discos, Version 2.0, del que sin lugar a dudas podemos hablar como su mejor álbum. El álbum tiene unas letras geniales. Hay muchas formas de explicar lo que se quiere decir, y el resultado son letras que envuelven el mensaje de mil formas distintas. Vean el ejemplo del primer tema, que presenta infinidad de frases para recoger la idea de querer que alguien nos posea. Visitemos un poco sus temas (traducciones en http://www.letrastraducidas.com/Garbage/).

Temptation Waits (http://www.youtube.com/watch?v=xvFAbl9ppCs): Pues nada, ¿hablábamos de arreglos electrónicos? No se podía empezar de mejor forma el álbum, con un tema rápido. Pero quizás, si nos fijamos, podríamos poner de manifiesto una cierta limitación en la voz de Shirley, la cual se moverá durante todo el disco en tonos bajos con esfuerzo y justo cuando se le exige, aparecen los arreglos. Escuchar el tema en directo lo evidencia. Pero ahora bien, el estribillo, con la voz con un poco de ayuda, luce estupendo. Si hablamos del último minuto y medio de la canción, ya lo hacemos de uno de los mejores del disco. Las ganas en Shirley conjugada con la fuerza melódica quedan brillantes. Esto es tan solo el comienzo.

I Think I’m Paranoid: Segundo single y uno de los himnos de Garbage que incluso podemos tocar en algún videojuego musical. Con unos primeros segundos algo tranquilos, en cuanto empieza a creerse "paranoica" el tema gana potencia. La canción está perfectamente dividica entre la parte más tranquila y la parte del puente-estribillo, donde se acelera el corte. Las letras recuerdan un poco al grunge de primeros de los 90, y el riff de guitarra es muy característico y recordable. (http://www.youtube.com/watch?v=rpRiSb_Ir-s)

When I Grow Up: Locura en uno de los temas que ayudan a identificar a este grupo. En este cuarto single, el comienzo es genial. Tras una intro casi de puntillas, una explosión de instrumentos. Tras este medio minuto. La voz manda en el tema y la percusión pone toda la fuerza. Se trata de unos de los grandes temas de esta banda (http://www.youtube.com/watch?v=eE3ZEQqpm3c).

Medication: una nueva perspectiva dentro del álbum. Bajamos el ritmo del disco con un corte que apenas presenta arreglos electrónicos. En este tipo de temas es donde mejor se mueve Shirley. Suave canción sobre la dependencia y locura por otra persona.(http://www.youtube.com/watch?v=PWti8wGU8ZU).

Special: de las mejores canciones del disco. La cantante se deja llevar, presentando una de las mejores interpretaciones del álbum. Cuando alarga la estrofa queda realmente linda la voz de Shirley. Las segundas voces al final del corte hacen sobresaliente el corte. La base del bajo enamora y el cambio de peso de los instrumentos en el estribillo da un brillo "special" al corte. Las últimas frases cantadas suenan muy cálidas. He de decir que el vídeo de este tercer single me gusta muy poco (http://www.youtube.com/watch?v=s_m7CuVZTVc&feature=related).

Hammering In My Head: con un comienzo “alarmante”. Se trata de una canción acelerada cuyo ritmo baja con cada estribillo. La sensualidad se apodera del final del corte gracias a la forma en la que Shirley termina por susurrarnos al oido. Desde luego el grupo sabe mimetizarse con lo que desea. Para llamarnos la atención usan ese sonido que recuerde una alarma y cuando quieren atraernos, usan el erotismo en la voz. Es casi esquizofrénica la canción. Va una versión en directo (http://www.youtube.com/watch?v=yaAarOaLGLg)

Push it: Fue el single del regreso, su nueva tarjeta de presentación. La voz aparece como sintetizada. El tema que terminó por lanzar a Garbage. La música crea un ambiente muy peculiar siéndolo todo en esta canción. Uno de los grandes temas de la década sin lugar a duda, gracias a las fabulosas guitarras, la base electrónica tan oscura, la cálida y a la vez fuerte voz de Shirley. Video paranoico que consiguió lo pretendido, llamar la atención.(http://www.youtube.com/watch?v=z-CHEnJ7gnc).

The Trick Is To Keep Breathing: muy elaborada canción, conjunción de gran variedad de sonidos y mezclas, incluso aparecen instrumentos de cuerda. Shirley parece no dedicarse solo a cantar, pues su interpretación vocal se superpone a las melodías y por momentos pareciera suplicarnos con su canto. Una vez más queda demostrado que en las canciones de ritmos más bajos, ella alcanza su mejor nivel. La base del bajo es hipnótica. Junto con el anterior tema, estamos delante de la parte más oscura del álbum. El tema nos habla de la falta de respeto del hombre sobre la mujer. En el vídeo que adjunto, la canción empieza al minuto (http://www.youtube.com/watch?v=t3TaSK9CelY).

Dumb: Bajo mi punto de vista, el tema más flojo del álbum. Dumb no es que sea mala, sino que simplemente, hasta este momento del disco, Garbage nos fue demostrando lo que era capaz de hacer y en este tema, dejan de ofrecernos posibilidades. Tiran de recursos. Lo mejor de la canción, las guitarras. Canción en el vídeo, a partir del minuto y 10 segundos (http://www.youtube.com/watch?v=9CFf_HlSnF4).

Sleep Together: Se trata de un tema preparado para nuestra pelirroja. La música no es protagonista en el tema, al contrario que en otros. La voz más que sensual cantando lo que nos canta, eleva el erotismo del disco. La base musical acompaña perfectamente, dándole al ema justo lo que necesita. ¿Quién sería capaz de rechazar a la señorita Manson si nos canta esto de esta forma? Es una canción para lucirla. La canción empieza a los 15 segundos en el vídeo (http://www.youtube.com/watch?v=Bo-L-JuTmoA).

Wicked Ways: Quizás sea la canción menos Version 2.0 del álbum. No se parece en nada a lo escuchado hasta el momento. Por momentos, presentan las guitarras más agresivas del disco. Muy brillante la segunda mitad de la canción, con un final muy llamativo. Una gran antesala para lo que se nos viene encima. En el vídeo, canción a partir de los 15 segundos. (http://www.youtube.com/watch?v=ucKMkNSsMNs).

You Look so Fine: Mi gran debilidad. Shirley no nos canta, nos acaricia con la voz. La intensidad de este corte es su punto fuerte. Es una balada que te agarra y no te suelta hasta los segundos finales. Su voz nos arrastra magistralmente hasta el canto del primer You Look so Fine, donde alarga la última palabra y se deja acompañar con los instrumentos en una simbiosis auditiva soberbia y sobrecogedora, de las que ponen la piel de gallina. Tras el estribillo pareciera bajar la intensidad de la canción, que termina con un juego de segundas voces que le da un toque melancólico final a de una las mejores baladas de los 90. Ella se desgarra pidiendo amor con una base de piano que acompaña perfectamente la situación. La letra es triste, pues no se puede hacer más por conseguir a ese alguien, teniendo que terminar como en el Lie to Me de Bon Jovi(http://sidinor.blogspot.com/2009/01/escuchando-bon-jovi-these-days.html), pidiendo una mentira, pidiendo fingir un final feliz. (http://www.youtube.com/watch?v=vTyoanfuIr0&feature=fvst).

Estamos ante el "Disco" de Garbage, su mayor éxito. Algo muy difícil de igualar. Quizás el éxito de esta banda vino con Version 2.0, pero también se terminó aquí. Las cotas de calidad que se pueden escuchar son muy elevadas. Avanza estupendo durante sus pistas, pero el clímax se alcanza justo al final, con el tema You Look so Fine, tremenda canción de amor, que sin duda alguna, junto con Push It, son las mejores de todo el disco. Es el mejor disco de laboratorio de la decada de los 90 (del de nuestra actual década, Gorillaz - Demon Days, hablaremos próximamente).

THE 90's: CROWDED HOUSE - Distant Sun (1993)

Banda desconocida para mucha gente, pero de una relevancia y calidad descomunal. Su cantante, Neil Finn (27 de Mayo de 1958, Nueva Zelanda), es uno de los grandes artistas de nuestra época. No solo ha trabajado con Crowded, pues con su hermano, formó Finn Brothers, grupo del cual presentaremos próximamente un análisis.

Seleccionar una canción buena es muy difícil. Sirva de ejemplo el Greatest Hits de 1996 que presentaba 19 canciones, sin que alguna sobrase. Escogí este tema de 1993 del álbum Together Alone, sobre todo por el mensaje que transmite: segundas oportunidades, apoyo y confianza a esa otra persona. Sirva de ejemplo lo que nos cantan tras el primer estribillo: eres joven para viajar lejos - y lo bastante viejo para saber quien eres - lo bastante sabio para llevar cicatrices - sin culpa, sin nadie a quien culpar - es fácil olvidar lo aprendido - esperando que regrese la emoción. Sin duda, la voz melodiosa de Neil, ayuda a que estas seis frases lleguen hasta dentro.

Las melodías de Crowded House son muy homogéneas. Nada destaca especialmente, obteniendo un resultado brillante, en el que cada componente de la banda es pieza importante en el sonido característico de estos chicos. Muy dados a usar segundas voces y acompañamientos, este tema no sería menos. El videoclip, recoge los típicos vestuarios y montajes de la época, con un resultado bastante aceptable.

THE 90's: ROXETTE - Crash! Boom! Bang!

http://www.youtube.com/watch?v=aoXrd3_3fYI

Si vale, lo admito, es pop comercial. Si, también lo admito, es una balada más. Pero la cosa es que esta canción me sigue acompañando siempre. Fui (y aun sigo siendo) un gran seguidor de estos suecos desde su álbum Joyride (1991) y fue con este tema (1994), cuando le juré seguimiento eterno al grupo. El disco, que tomaba como título el de la propia canción, me parecía bastante aceptable con temas como Run to You, o el de despedida Go to Sleep.

Sin duda, era la canción Crash! Boom! Bang! el núcleo central del disco. El tema nos cuenta lo inevitable que es enamorarse, aun sabiendo que dicha situación nos traerá más de un problema. Es algo cierto sin duda, nuestra condición humana nos lleva a repetir actos que sabemos que nos harán daño, pero que no podemos evitar.

Desde el comienzo la canción es dulce. Unos acordes de guitarra nos prensentan el tema, que lleva una base muy suave de percusión y órgano que se repetirá durante todo tema, salvo los escasos 20-30 segundos que dura un cambio de ritmo pasada la mitad del tema. Tras el primer estribillo la guitarra de Per toma más protagonismo, la voz de Marie toma fuerza y la percusión y bajo reclaman su presencia. A los 2:25 el tema se silencia, para acto seguido ser retomado con mayor celeridad y llevarnos con la voz de Marie desatada hasta el final de una bellísima canción.

ESCUCHANDO: EDITORS - An End Has a Start (2007)

Grupo inglés de la escena indie, caracterizado por unas señas muy diferenciadas, como son la velocidad de sus ritmos, sus riff de guitarras agudos y una voz, la de Tom Smith, que enamora. Es posiblemente una de las mejores voces contemporáneas. En directo es un grupo que da muy bien, como demostraron en el Summercase hace unos años. Este disco que tratamos, concretamente, su segundo álbum tiene unas primeras canciones que te atan al resto, pidiendo más temas, pues se nos hace algo corto el disco (letras traducidas en este enlace: http://www.letrastraducidas.com/Editors/).

Smokers Outside the Hospital Doors: Auténtica declaración de intenciones. Ritmo potente de batería, bonita voz y de repente, punteos de guitarras agudos. Durante el tema pesan el bajo y la batería. La guitarra se dedica a acompañar hasta el momento del estribillo, donde gana fuerza. Tenemos un momento de voz más piano que nos llevará otra vez a la potencia de la batería y bajo, simulando una tormenta, rota por el rasgueo de la guitarra. El tema dota de un comienzo espectacular al álbum. (http://www.youtube.com/watch?v=_21MaVnU8oo).

An End Has A Start: Se cumple el patrón de batería más la entrada de la guitarra aguda. En este segundo corte, las guitarras aparecen más fuertes en los puentes, siendo un mero fondo durante el desarrollo y estribillo de la canción, donde manda el bajo. Particularmente, adoro el ritmo marcado por la batería, pues aporta la velocidad justa que necesita el tema. (http://www.youtube.com/watch?v=NMKEHQqREMo).

The Weight of The World: Continuamos con un tema donde la batería manda desde el primer sonido. Tema más triste que los anteriores, que hace disminuir la intensidad de un disco que comenzaba realmente bien. (http://www.youtube.com/watch?v=aXqHqxXa6yA).

Bones: Primera innovación. Ganan las guitarras en la intro del corte, aunque desaparecen para el desarrollo del tema hasta los puentes. La voz recuerda por momentos a la de Morrisey (no será la única vez en este álbum). Una vez más, tema muy veloz, acelerado por momentos como consecuencia del rasgueo de la guitarra (http://www.youtube.com/watch?v=qjpmrIL-ZMg&feature=related).

When Anger Shows: Un comienzo calmado de órgano, se ve acompasado por ritmos veloces de batería. Variedad y conjunción de ritmos y compases, con unos rasgueos de guitarras característicos, acompañan a la voz de Tom, encanjando todo perfectamente. Muy bonito tema, que llegando a la mitad del tercer minuto da un giro rítmico, que dota de una nueva dimensión a la canción, que terminará con una fuerza inconmensurable (http://www.youtube.com/watch?v=LcqRIn7kv_k&feature=related).

The Racing Rats: Un corte cinco estrellas junto con el primer tema. El piano se usa al comienzo rápidamente. Junto con los rasgueos apresurados, se le une una batería endiablada llegando casi el primer minuto (45 segundos). La canción no deja de ganar potencia a medida que avanza, a la par que la voz de Tom se suelta con el segundo estribillo, alargando lo cantado. Por la mitad del tema, un rasgueo infinito, termina por desatar a nuestro cantante. En directo, este tema es realmente espectacular (http://www.youtube.com/watch?v=KpH697da4KQ&feature=related).

Push Your Head Towards The Air: Melancolía. Bajamos la velocidad del cd drásticamente. En cuanto empiezan a cantar, vence la tranquilidad total en el tema. A cada pocos segundos de la canción, se le van añadiendo nuevos pequeños sonidos. La voz se desata cuando los instrumentos quieren hacerse más fuertes. Tenemos un cambio de ritmo casi a los tres minutos, que embellece más, si cabe, el resultado del que sin duda es un tema lindísimo. El final, con segundas voces y piano, es muy íntimo (en el vídeo está algo recortado con respecto a la versión del cd). Prensenta una de las mejores letras del álbum (http://www.youtube.com/watch?v=SQVOtGabyWc).

Escape the Nest: De lo más oscuro del disco al principio, deja a las claras la importancia del bajo en esta banda. El peso del desarrollo de la canción es del bajo, batería y voz, siendo la guitarra un elemento acelerador e instrumento de estribillo prácticamente. Cuando la seis cuerdas aparece, es tan aguda que pareciera que fuera a darse la vuelta (escuchar el minuto 1:20). Justo por la mitad, parece dejar de cantar para pasar a suplicar. La batería es tremendamente consistente en los estrillos (http://www.youtube.com/watch?v=KlFpCdfEz08).

Spiders: La más melódica de las canciones de Editors que jamás escribiesen. Punteo para empezar y una de las interpretaciones vocales más graves y directas de Tom. Hasta que aparecen los rasgueos sueltos de guitarra, el bombo y los platos son prácticamente los únicos acompañantes. La guitarra hace parecer la canción música oriental, presentando siempre lo que parece ser un llanto, un grito de desolación. El final pareciera un ritmo sacado de algún disco de Garbage. (http://www.youtube.com/watch?v=l2DehLfOeAE&feature=related).

Well Worn Hand: ... y punto final. La velocidad la despedimos canciones atrás. Piano y Tom para despedir un disco que tenemos que descubrir. La guitarra, cuando aparece, casi parece una bandurria. Es justo en este tema, cuando Tom canta "I'm so sorry", cuando más paralelismo encontramos con Morrisey (http://www.youtube.com/watch?v=_z4_u8tRkcM).

Editors merecen ser descubiertos y hacerles un hueco en nuestra discoteca. Estamos ante un buen disco, donde la banda explota a la perfección cada uno de los puntos fuertes que tienen. Destacan que las guitarras apenas marquen ritmos, teniendo su peso en los estribillos y puentes de las canciones. El bajo es muy importante y queda demostrado teniendo en cuenta su impotancia junto a la batería. Todos los instrumentos utilizados en el álbum encajan perfectamente, estando muy medidas las entradas de cada uno. Aun le qudan mucho por andar a esta banda, pero sin duda, este disco fue un paso firme que se dio hace ahora, un par de años.

ESCUCHANDO: BON JOVI - These Days (1995)

Estamos ante un disco largo y con temas muy variados. Me agradan los discos así, largos con canciones largas en su mayoría, pero sin llegar a cansar y con bastantes temas. Esto no quiere decir que discos como el Ok Computer (analizado anteriormente) con una duración aproximada de 53 minutos sean malos. Cada tipo de disco necesita transmitir durante una cantidad de tiempo determinada. Más tiempo para el estrella de Radiohead o menos para este These days (ocupa una hora y cuarto) estropearía el resultado final. Estamos en el disco de la dicotomía perfecta: Hard & Love. Todas sus letras tienen mucho contenido. Todo queda expresado y explicado desde la voz de Jon, dejando poco margen a la imaginación. Ellos nos cuentan todo lo que pensaron cuando compusieron los temas.

Hey God: Rock puramente americano para comenzar con energía. Fuerza, mucha fuerza para dar el pistoletazo de salida. La letra es sublime. La duda de los hombres y sus miserias ante Dios. Una pregunta redunda en mi cerebro con esta canción "Do you ever think about me ?", nuestro querido Jon no deja de preguntárselo a Dios a lo largo del tema. Es rock sin entruendo, sin bombos exagerados, sin punteos imposibles de guitarra y con una gran voz que aparece como en los buenos tiempos. (http://www.youtube.com/watch?v=ifBfPGxEdTA&feature=related)

Something For The Pain: Segundo single. Floja a mi modo de entender, pero entretenida. Creo que los 2 primeros singles de este disco, no fueron del todo bien seleccionados, pues están demasiado alejados de lo que contiene este Cd. Es ciertamente comercial. No es para nada dura y este disco lo es. Aún y así, la letra se merece un visionado porque no es del todo mala. No me gusta tampoco el vídeo, pero aquí está. (http://www.youtube.com/watch?v=pV7LC7N_gKM)

This Ain't A Love Song: Su single de presentación no es especialmente de mis canciones favoritas. Considero que tiene mejores baladas, lo que si está claro es que estamos ante un gran tema, eso es indiscutible. Ritmos muy bien marcados, un pequeño toque de blues al fondo, buena melodía y voz. El primer minuto y medio de canción es precioso. Lo de la letra merece mención aparte. ¿Cómo lo hacen siempre tan bien?, ¿por qué siempre dicen algo bonito? La letra es buena y aunque hicieron una versión en español de este tema que no fue nada de mi gusto, la letra es el alma de este tema. (http://www.youtube.com/watch?v=JnIv50OIr-A)

These Days: Empieza el espectáculo del disco. Uno de mis temas fetiche de mi breve historia musical. Por este tema estamos aquí. Se trata de una gran canción con un inicio precioso. La batería sueña sencilla, las guitarras no destacan especialemente, el bajo se limita a acompañar, pequeños golpes de piano se dejan caer y un Jon en su línea cantando. Entonces, ¿dónde está la magia? en la mezcla instrumental que origina una melodía lindísima; en la letra con su mensaje (el propio hombre es lo único que realmente queda en estos días que vivimos); en las segundas voces (Sambora). Este cuarto single me marcó siendo yo pequeño. (http://www.youtube.com/watch?v=1Ur4gUnbyoQ&feature=related)

Lie To Me: Sublime. Posiblemente una de las grandes baladas del rock. La letra es para escucharla, leerla, aprenderla, memorizarla, interiorizarla... En ella piden a la chica que mienta si es que acaso no le quiere. La subida que da la voz de Bon Jovi genera una nueva dimensión dentro del mismo tema. Toda la música que acompaña al corte es preciosa, muy cuidada. Fue el tercer single. (http://www.youtube.com/watch?v=BNrCN9WhNKE&feature=channel)

Damned: Quizás sería justo enmarcar este tema en el segundo nivel del disco. Buena canción de rock que habla sobre un triángulo amoroso. Viven enamorados estos chicos. Es un corte movido donde como casi siempre, Sambora tiene su protagonismo. (http://www.youtube.com/watch?v=5DSNKhB2_6U)

My Guitar Lies Bleeding In My Arms: Vuelta al mejor nivel del disco, y además, con uno de las cinco estrellas de la década de los 90. El clima creado al principio sobrecoge: punteos y casi susurros. El solo de guitarra pasando los dos minutos y medio de canción, sin ser largo ni exagerado, conduce la canción hasta un pequeño descanso, momento en el cual, Jon canta con letras mayúsculas, con una subida de tono que hace de esta una canción que todos debiéramos escuchar al menos alguna vez en nuestra vida. En cuanto a la letra, me niego a decir lo buena que es por temor a repetirme, y es que en esta ocasión, nuestro personaje se encuentra tan frustrado con lo que le rodea, que es incapaz de expresar algo, por ello su guitarra se desangra. Eso es lo que nos cuentan, porque la realidad es bien distinta, pues expresan lo que quieren en el tema. Merecen mención especial las segundas voces, muy graves en esta ocasión. (http://www.youtube.com/watch?v=g3fIdoANKXQ&feature=related)

It's Hard Letting You Go: Este es el ejemplo que pondría para crear un tema sobre corazones rotos. Al principio de la canción se genera el ambiente. Existe el dolor porque nos falta alguien. Y se le canta a ese alguien por lo que nos sucede cuando no está, ya tenemos la letra. La música es una acompañante de lo contado, siendo solo una pequeña base instrumental de organo y guitarra las que llevan el peso del tema. No hacía falta más, todo lo dice la letra. Una vez más, como a la mitad del tema, Jon eleva el tono, se acompaña de Sambora y elevan el tema para terminar casi susurrándolo sobre voces de fondo. Petenece al primer nivel del disco. (http://www.youtube.com/watch?v=U_T0Z9Zv8Zg&feature=related)

Hearts Breaking Even: Melodía 100% amerícana. Creo que esta canción podríamos incluirla en la banda sonora de cualquier Grease, por ejemplo. Además la letra le pegaría perfectamente a cualquier escena en la que él o ella, acabaran de abandonar a ella o él. Otra canción donde los instrumentos destacan por lo homogéneos que suenan, con secciones de bajo y batería que rellenan los punteos de las guitarras dejan al pasar. Y en cuanto a Jon, me parece que canta perfectamente bien. Ciértamente, es un bonito corte. (http://www.youtube.com/watch?v=8bOiIdvvJZ8&NR=1)

Something To Believe In: Este tema es otro cinco estrellas. En las letras, nuestro personaje sigue dudando de todo y todos, y evidentemente necesita algo en que creer. Instrumentalmente, todo es bueno. El ritmo marcado por Tico Torres a la batería desde el principio da la fuerza, las guitarras acompañan, los coros de Sambora, pero sobre todo la espectacular voz desgarrada al final del tema, muy directa y natural. (http://www.youtube.com/watch?v=pn_6GIkmN2c&feature=related)

If That's What It Takes: Es deliciosa. La intro de guitarras y batería no nos hace imaginar como va a continuar la canción. Posiblemente el mejor corte de la voz de Jon en el disco. La letra nuevamente nos habla del amor y sacrificios. Hay muchas maneras de decirle a alguien lo que se le quiere, pero está claro que Bon Jovi se las conoce todas. La incursión del órgano a la mitad del tema embellece el resultado final. SUBTITULADA (http://www.youtube.com/watch?v=ZYZ9D2_RYaA)

Diamond Ring: Y por si existían dudas sobre lo que este disco representa en el mundo de la balada aquí nos regalan este anillo como símbolo del amor musical. Solo lean el estribillo. Instrumentos tocado suaves y despacio, con mimo, acariciando la batería y la guitarra. Solo así se consigue poner música a lo que tenían que contarnos. SUBTITULADA (http://www.youtube.com/watch?v=-Jkc3yiDACM)

All I Want Is Everything: Un guiño al Bon Jovi más antiguo. No todo iban a ser melodías lentas. Con esta canción se consigue mantener el nivel del disco. Todo luce como hasta el momento, es decir mucha calidad y muy cuidados instrumentos, Jon con fuerza y Sambora pidiendo una canción para él solo con esa voz. (http://www.youtube.com/watch?v=IAEin2D4mzs)

Bitter Wine. El piano le da un toque pausado a la canción que Bon Jovi le dedica a la desaparición del amor. Ritmos casi imperceptibles de batería suenan de fondo mientras los punteos y el teclado avanzan. Para cuando entra la batería con más fuerza la letra se pone más dura. También saben enfadarse por culpa del amor. No había mejor manera de despedir un disco lleno de amor que perdiendo la fe también en él. (http://www.youtube.com/watch?v=v6N1V_fGROU)

Todo el álbum presenta melodías muy cuidadas y medidas. Cada instrumento aparece cuando debe y se marcha cuando ya no tiene más que ofrecer. Este séptimo álbum es de los mejores de Bon Jovi.
Por favor, les recomiendo encarecidamente comprar este clásico del rock de los 90 así como dar un paseo por la red en busca de sus letras y traducciones. Tienen un alto contenido crítico y aun más romántico. Nuevamente se trata de un disco considerado por mi parte, como un pilar básica en la discofrafía de nuestra casa. Entiendo que es un disco muy bueno de Bon Jovi en el cual, durante muchos minutos, nos cuenta todo lo que piensa, nos abre su corazón y el resultado es sobrecogedor.

ESCUCHANDO: RADIOHEAD - Ok Computer (1997)

Nos encontramos en pleno 2009 y me presento con un álbum de 1997. Tiene más de una decena de años y para mi es rescatable y mencionable. Hoy no recuerdo un compacto publicado en esta decada que vivimos, que marque tanto como lo hizo este disco en los 90.

Más que un disco de música, estamos ante la banda sonora de un estado de ánimo, de la tristeza, desesperación e incompresión del humano ante lo que le rodea. A remarcar este sentimiento ayuda mucho Thom Yorke. La voz de Radiohead no canta sino que interpreta cada canción del cd, poniendo el sentimiento, el tono y el desgarro que necesita cada corte.

Airbag: El principio. Ritmos de batería, bajo, guitarras percusión... todo parece ir por su cuenta, ritmos ajenos, pero sin embargo se conjugan formando una primera interesante canción. El bajo enmudece constantemente, de hecho, aparece como si fuera una segunda voz o los coros. Se trata de un corte muy homogéneo. Una buena muestra del sonido que nos espera. (http://www.youtube.com/watch?v=Afis1Ne3Kq0)

Paranoid Android: La primera prueba de la excelente interpretación de Thom. Canción atractiva. Constantes voces de fondo acompañan el tema. La voz se desboca cada vez empiezan a aparecer otras voces, dandole un toque de mayor locura a la mitad del corte, aunque luego parerezca calmarse. La entrada final de los instrumentos lanza el tema, acabando con cualquier posible desfallecimiento del tema, dando un pequeño giro que acelera los ritmos con los que se iniciaba. (http://www.youtube.com/watch?v=fHiGbolFFGw)

Subterranean Homesick Alien: Con un base melódica hipnótica, avanzamos por una canción un tanto paranoica aunque suave. Es un buen tema de entrada para lo que se aproxima. La voz se rompe al cantar y consigue que nos metiéramos de lleno en el sonido que Ok Computer tenía guardado para nosotros. (http://www.youtube.com/watch?v=MO2iZyEK4ZQ)

Exit Music (For A Film): Esta canción nos transmite tristeza, en otro ejemplo más de que la voz de Thom Yorke sabe darle a cada canción la inerpretación y la forma adecuada. Esta canción transmite porque el cantante lo hace. Como su propio título indica, fue ideada para los créditos de una película, concretamente Romeo+Julieta, pero finalmente Thom no lo quiso así, pidiendo que no apareciera. Al final de la canción, la melodía se desata y termina por transportarnos, lentamente al siguiente tema. (http://www.youtube.com/watch?v=RByvzmmEFiQ)

Let Down: Para mi es el gran tema del disco. Esta canción te desgarra el alma. Con una melodía que empieza lenta, con un ritmo lento, pausado. La letra define la posición del humano en la sociedad en la que vive. Un ser que se deja llevar. Aparecen sentimientos de desolación y vacío. Al final, la batería acelera ínfimamente el ritmo para hacer de este tema el más bello que se ha escrito nunca para explicar el papel que el hombre juega en su día a día, un simple peón en movimiento que espera algo que no llegará. (http://www.youtube.com/watch?v=-Z_NvVMUcG8&feature=related)

Karma Police: El gran single de Radiohead. Recuerdo que se presentaba con un videoclip realmente angustioso (http://www.youtube.com/watch?v=5LeLAELIxKY). Es la gran muestra de lo que este álbum significó. Canción completa. El piano es dulce, el bajo marca un ritmo lento, guitarras y batería se limitan a acompañar, la voz expresando un sentimiento, y un final que incorpora matices electrónicos que terminan adueñándose del tema. Esta canción me hizo conocer a este grupo y cada vez que la escucho recuerdo una época, recuerdo los 90 de Nirvana, de Soundgarden... grupos que querían escapar.

Fitter Happier: En este momento y tras vivir tres canciones de extraordinario nivel, Radiohead se dedica a filosofar durante 2 minutos de la vida por medio de una especie de robot. (http://www.youtube.com/watch?v=ra8E63vXSiI)

Electioneering: Toca desatarse hablando del desencuentro entre la política y la sociedad que dirigen. La canción es de las más movidas del cd. La percusión nos guía con fuerza y los punteos nos acompañan en esta carrera hacia delante. (http://www.youtube.com/watch?v=E9qWbWn6sos&feature=related)

Climbing up the Walls: Se liberó la obsesión. La locura en esta canción, donde la voz aparece en algún rincón de nuestra cabeza (tal y como dice la letra, él está dentro de nosotros) se refleja en los gritos del final, en los violines, sintetizadores, percusión y demás instrumentos que acompañan el tema más enigmático y sobrecogedor del álbum. (http://www.youtube.com/watch?v=qbtZyuOMdHI&feature=related)

No Surpraises: El tercer single del Ok Computer es la mejor canción escrita a la indiferencia. Una de las típicas respuestas del humano ante la sociedad que nos ocupa; llega el abandono. Presenta una bellísima melodía. Una canción interpretada, grabada, producida y presentada como lo está No Surpraises, es perfecta. El modo de comprobarlo, póngase unos auriculares, pulse el play y no me diga que no le gusta la melodía, como suenan las guitarras, como canta ese hombre, lo limpio que suena todo el tema. Creo que se me ve el plumero, pero es que esta canción es una de las mejores de los 90. (http://www.youtube.com/watch?v=qqsyXdj_p_I&feature=related).

Lucky: con esta canción parece que llegara la calma tras la tempestad. Es un tema muy relajado aunque al final Yorke da un poco de más entrega al corte, más volumen. Se acerca el fin del álbum y parece que nos estén llevando poco a poco, todo es muy relajado, pero el solo final eleva el ritmo de la canción. (http://www.youtube.com/watch?v=huIgYU3bgqM&feature=related)

The Tourist: la despedida. Tema que entra despacio. La prueba definitiva de que la voz de Radiohead se acopla perfectamente a la música que conforma el compacto. A ratos parece un instrumento que pudiera ser utilizado a nuestro antojo, una especie de punteo de guitarra. Cuando las guitarras empiezan a tomar protagonismo y fuerza, la voz parece pretender pasar por encima. Un gran broche para poner un punto final a una reconocida obra maestra. (http://www.youtube.com/watch?v=x0F0d8joPT8&feature=related)

Es un disco totalmente atemporal, redondo. No existe ningún tema que esté por debajo de otro. Es genial la disposición de las canciones en el disco, destacando Exit Music, Let Down y Karma Police, las cuales se presentan seguidas. Este hecho es importante. Esta tripleta de canciones aparece tras los primeros 15 minutos de disco, elevando la calidad del mismo y generando un ambiente musical único. Son tres temas con ritmos y sonidos diferentes pero con mucho sentimiento. Tras Karma viene un parón en el disco con Filter happier. Climbing le da un con ritmos más animados y tras ésta, se retoman ritmos más lentos con Climbing Up. Está muy compensado.

El grunge era la expresión de la angustia musical. En sus orígenes, Radiohead fue comparado con grupos de este estilo musical, pero fue Ok Computer, el disco con el que se alejaron definitivamente del grounge, pasando a sonidos más experimentales y electrónicos, con el que dibujaron un álbum que expresaba justamente lo que el grunge siempre hizo. Fue la evolución perfecta.